Teóricos de la Historia del Arte (Resumen)

 

Giorgio Vasari (1511-1574)

De origen italiano, fue un arquitecto, pintor y escritor. Algunas de sus obras más destacadas son:

• ·         Galeria Uffizi (Galería de los Oficios).
• ·         Los frescos del Palacio Vecchio.
• ·         Los frescos de la Cancillería de Roma.

Sin embargo, su gran aportación dentro de la Historia del Arte es su obra: Las Vidas de los mejores pintores, escultores y arquitectos (1550). Dentro de este texto, Vasari recopiló anécdotas, tratados e instructivos sobre las prácticas artísticas, pero también, biografías sobre de los artistas más importantes del momento, teniendo una especial predilección por Miguel Ángel.

Esta obra, considerada la primera gran obra de la Historia del Arte, destaca por dos principales razones:

1. Constituye el primer intento de acercarse a la valoración y entendimiento del Arte
2. Dota de un método a la disciplina para el estudio del hecho histórico: La Biografía.

En consecuencia, la obra contribuyó a:

• El reconocimiento del Arte como una actividad diferente a la artesanal, donde el genio y creatividad del artista juegan un papel preponderante.
• La concepción de arte como un proceso evolutivo, considerando al s. XVI, El Renacimiento, como la madurez de este, donde el Arte alcanza su máximo punto con Miguel Ángel.
• La definición de un vocabulario especializado para la disciplina, estableciendo períodos, distinguiendo el diseño y las manieras, junto con otros conceptos como invención, imitación y estilo.

Al basarse en la biografía, Vasari:

• Compara el desarrollo del Arte con el cuerpo humano, el cual nace, crece, envejece y muere.
• Define tres etapas para la Historia del Arte:

a.      La Gloria de la Antigüedad.

b.      La Decadencia de la Edad Media

c.       El Renacimiento.

De esta manera es posible distinguir, en Vasari, al Padre de la Historia del Arte, pues es él quien dota a esta disciplina, por primera vez:

• De un objeto de estudio.
• Un método.
• Un vocabulario especializado.

Heinrich Wölfflin (1864-1945)

Crítico de arte suizo, su prioridad al estudiar la obra de arte es la Forma. Considerando que los cambios en esta responden a los cambios de sensibilidad, por lo cual es necesario estudiar a la Forma desde dos puntos:

1. El Formal: Las leyes con las que esta evoluciona.
2. El Significado: El cambio de mentalidad y sensibilidad de la época.

En su búsqueda de entender a la Forma, es necesario, primeramente, detenerse en el concepto de Estilo. El cual define como el modo de representación, el cual está condicionado por tres componentes:

1. Individual: Estilo personal del artista.
2. Nacional: la manera tradicional de representar los temas de acuerdo a una región geográfica.
3. Época: la manera en que se representan los temas de acuerdo a un momento histórico.

De esta manera llega a que el estilo no debe estudiarse en comparación a otros, buscando encontrar uno mejor, sino que estos deben entenderse como producto de un contexto individual, geográfico e históricos.

Ante esto, comienza a presentar una serie de conceptos, contrastantes, a tomar en cuenta al analizar la Forma. Dichos conceptos surgen de la comparación del arte del Renacimiento y el Barroco.

Contraste	Concepto	Definición
Lineal y Pictórico	Lineal	Las líneas son específicas, cada figura resalta por sí misma, imitando a una escultura, debido a la iluminación.
	Pictórico	Las figuras se difuminan mediante las sombras, la iluminación no es pareja en la imagen.
Superficie y Profundidad	Superficie	Los elementos se presentan de forma paralela, como si fueran velos, uno atrás de otro.
	Profundidad	Los ángulos dan una idea de profundidad, obligando a la vista internarse en la imagen
Forma Cerrada y Forma Abierta	Forma Cerrada	La imagen, simétrica, está en torno a un eje, lo cual da una sensación de equilibrio.
	Forma Abierta	El eje se pierde, la asimetría causada da una sensación de movimiento.
Pluralidad y Unidad	Pluralidad	Los elementos se presentan de forma individual, la vista se detiene en ellos uno a uno.
	Unidad	La vista abarca todos los elementos de una vez.
Claridad Absoluta y Claridad Relativa.	Claridad Absoluta	El asunto se entiende de manera inmediata.
	Claridad Relativa	La composición de la obra dificulta el entendimiento inmediato de lo representado.

De esta manera, se puede observar como Wölfflin brinda a la Historia del Arte otro método para estudiar a la obra: El Formalismo; al mismo tiempo que dota a la disciplina de conceptos fundamentales.

Erwin Panofsky (1892-1968)

Historiador del Arte de origen alemán. En su estudio de la obra de arte él se concentró más en el significado que en la forma, la rama de la Historia del Arte llamada iconografía.

En la obra, dividirá el significado en tres niveles:

Nivel	Tipo de descripción	Características
Significación Primaria o Natural	Descripción pre-iconográfica.	Es la identificación de formas puras, valorando sus colores y líneas, y la forma en que estas se relacionan. De igual manera involucra la identificación de ciertas expresiones como postura, gesto o atmósfera.
Significación Secundaria o convencional.	Descripción iconográfica.	Consiste en la identificación de imágenes, historias y alegorías. Es decir, se relacionan entre sí las distintas imágenes correspondiéndolas a cierta historia o alegoría
Significación intrínseca o contenido.	Descripción iconológica.	Supone la interpretación de la obra, necesita del conocimiento de los principio y mentalidades de un momento y lugar determinados. Es decir, los elementos individuales, sociales, temporales y culturales que se condensan en la obra y sostienen la forma vista.

De esta manera, Panofsky consolida un nuevo método para la disciplina: La Iconología; la cual, basada en un pensamiento sintético, devela las significaciones que sostienen a la obra de arte. Aunque se encuentra frente a ciertas limitaciones, la más notable son las obras no figurativas; al mismo tiempo que, como el mismo autor reconoce, existe un peligro de buscar más de lo que se puede comprobar: la sobreinterpretación.

Referencias

González Román, C. (2012). La Teoría de la pura visibilidad y el método formalista. Recuperado el 24 de septiembre de 2017, de Open Course Ware / Universidad de Málaga: https://ocw.uma.es/humanidades/teoria-del-arte/material-de-clase-1/presentaciones-harte/ocw_presentacio_n_tema_8.pdf

González Román, C. (2012). Métodos iconográficos. Warburg, Panofsky, Gombrich. Recuperado el 24 de septiembre de 2017, de Open Course Ware / Universidad de Málaga: https://ocw.uma.es/humanidades/teoria-del-arte/material-de-clase-1/presentaciones-harte/ocw_presentacio_n_tema_9.pdf

Gónzalez Román, C. (2012). Vasari y los orígenes de la Historia del Arte. Recuperado el 18 de septiembre de 2017, de Open Course Ware / Universidad de Málaga: https://ocw.uma.es/humanidades/teoria-del-arte/material-de-clase-1/presentaciones-harte/ocw_presentacio_n_tema_2.pdf

López, J. (30 de julio de 2014). El Padre de la Historia del Arte, Giorgio Vasari. Recuperado el 20 de septiembre de 2017, de Cultura Colectiva: https://culturacolectiva.com/historia/el-padre-la-historia-del-arte-giorgio-vasari/

Panofsky, E. (1955). Iconografía e Iconología: introducción al estudio del arte del Renacimmiento. En E. Panofsky, El Significado en las Artes Visuales (3a ed., págs. 45-75). Madrid, España: Alianza. Recuperado el 20 de septiembre de 2017, de BiblioDARQ: https://bibliodarq.files.wordpress.com/2013/10/2-panofsky-e-iconografc3ada-e-iconologc3ada-introduccic3b3n-al-estudio-del-arte-del-renacimiento.pdf

Wölfflin, H. (1952). Conceptos fundamentales de la Historia del Arte. Madrid, España: Espasa-Calpe. Recuperado el 18 de septiembre de 2017, de ISSUU: https://issuu.com/jeannygarcia/docs/wolfflin__conceptos_fundamentales_d